22 œuvres d'art les plus célèbres du monde
Alors que le monde a vu beaucoup de peintures et d'œuvres d'art impressionnantes, il faut noter que parmi elles il y a celles qui sont restées intemporelles. Cependant, lorsque l'on parle des peintures les plus célèbres du monde, il est presque impossible de le faire sans parler des beaux-arts de la renaissance et des peintres italiens de la renaissance en particulier. Il est très important de déterminer ce que c'est qu'une grande peinture. Bien qu'il est difficile d'identifier les principaux éléments qui contribuent à rendre une peinture particulièrement célèbre, il faut remarquer que la technique utilisée dans la création de l'art, l'idée qui est communiquée par le biais de l'art et la pertinence de l'art sont quelques-uns des facteurs qui contribuent à rendre une œuvre très célèbre. Tout comme le vin fin, certaines des plus célèbres peintures sont celles qui ont mûri à travers le temps. Une chose qui est cohérente pour toutes les œuvres d'art les plus célèbres ce qu'elles ont été créées par de vrais visionnaires et leurs peintures ont communiqué un message aux êtres humains. On s'attend à ce que les œuvres d'art les plus célèbres que le monde ait jamais vues soient tout aussi précieuses et coûteuses. Les œuvres les plus célèbres vous laisseront enchantés et fascinés tout en communiquant le message et l'inspiration de l'artiste. Voici 22 œuvres d'art les plus célèbres dans le monde.
1. Mona Lisa par Léonard de Vinci
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L’œuvre de Léonard de Vinci « Mona Lisa » est l’œuvre d'art la plus reconnue du monde. Elle est située dans le Louvre à Paris. Le chef-d'œuvre qui attire peut-être plus de visites que d'autres peintures célèbres est aussi connu sous le nom de Joconde. C'est un portrait de del Giocondo l'épouse du riche marchand florentin Francesco di Bartolomeo. Certains de spécialistes considèrent ce portrait de la mère de Léonard, d'autres croient que c'est un autoportrait de l'artiste lui-même. Cette peinture est admirée par tous les amateurs de l'art et des scientifiques. Elle donne au spectateur le sens de toucher l'harmonie et l'éternité. Elle a une grande renommée par de hautes qualités artistiques, mais aussi à l'atmosphère de mystère qui entoure cette œuvre.
2. École d'Athènes par Raphaël
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« L'École d'Athènes » est l'une des fresques les plus célèbres de Raphaël, l'artiste de la Renaissance italienne. En 1508, Raphaël a été officiellement nommé le peintre de la papauté et a peint les salles de cérémonie du palais du Vatican. Au centre du tableau, nous pouvons voir les deux penseurs Aristote (à droite) et Platon (à gauche). La signification de ces deux personnes était extrêmement grande pour la philosophie occidentale parce que les concepts de leurs écoles différentes ont été repris par le christianisme.
3. La création d'Adam par Michel-Ange
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« La création d'Adam » est une fresque de Michel-Ange, peinte en 1508-1512. Elle fait partie du plafond de la chapelle Sixtine. La fresque illustre l'apparition d'Adam le premier homme à qui Dieu a donné la vie. Le sujet de la création biblique de cette peinture a été retiré du livre de la Genèse. La fresque fait partie d'un schéma iconographique complexe. Elle est chronologiquement la quatrième des neuf scènes de la série de panneaux représentant des épisodes de la Genèse qui sont peintes au centre du plafond de la chapelle.
« La création d'Adam » de Michel-Ange est l'une des peintures religieuses les plus reproduites de tous les temps. L'image des mains touchantes de Dieu et d'Adam est devenue emblématique de l'humanité. Le tableau a été reproduit dans d'innombrables imitations et parodies. La fresque est située sur le plafond de la chapelle Sixtine dans la cité du Vatican, Rome.
4. La Jeune Fille à la perle par Johannes Vermeer
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La peinture à l'huile sur toile « La Jeune Fille à la perle » est l’une des œuvres les plus connues faites par l'artiste hollandais Johannes Vermeer. Le tableau représente une jeune femme imaginaire en robe avec une très grande boucle d'oreille en perle dans un espace sombre peu profond ce qui attire l'attention du spectateur exclusivement sur la femme. Maintenant, l'œuvre réside en permanence au musée Mauritshuis de La Haye. Vermeer a réalisé juste 36 œuvres, attentives et réfléchies dépeignant souvent des femmes à des tâches quotidiennes. Ce style de peinture avec des scènes de la vie ordinaire a été appelé plus tard peinture de “genre”. La femme regarde des spectateurs avec ses yeux grands. Il nous semble qu'elle veut nous dire quelque chose parce que ses lèvres sont séparées. Certains experts comparent cette peinture avec la Joconde de Léonard de Vinci parce qu’elle a aussi un air énigmatique et mystère.
5. La Ronde de nuit par Rembrandt
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Le plus célèbre tableau de Rembrandt est connu sous le nom de la « Ronde de nuit ». Le tableau représente une compagnie de la milice dont les membres sont prêts à venir à n’importe quelles heures pour défendre la ville ou pour réprimer des révoltes. Les portraits de groupes étaient très populaires dans ce temps-là. Pour améliorer la composition, Rembrandt a ajouté les autres personnes. La manière dont Rembrandt a disposé les personnages crée une immense vitalité. L'utilisation frappante de la lumière et de l'ombre renforce cette impression. Certains éléments sont peints en détail, tandis que les autres nous donnent l'impression que Rembrandt a appliqué des coups de pinceau très épais. Ce tableau est distingué des autres peintures de milice qui ont été faites en même temps parce que Rembrandt a fait un travail très remarquable et impressionnant techniquement. Ce n'est pas un hasard que Rembrandt ait acheté une maison dispendieuse précisément à cette époque, certainement avec la commission qu'il a reçue pour cette peinture.
6. La Cène par Léonard de Vinci
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« La Cène » a été peinte par Léonard de Vinci entre 1495 et 1498 pour l'église de Santa Maria delle Grazie de Milan en Italie. Cette peinture a été commandée par le duc de Milan, Ludovico Sforza, qui était aussi un admirateur de Vinci. La peinture dépeint l'atmosphère du choc et de la confusion ainsi que les réactions de chacun des Douze Apôtres. Jésus-Christ vient de déclarer à eux que l'un d'eux le trahirait. Cette scène est peinte comme elle a été décrite dans l'Évangile de Jean, 13 :21. Malgré de nombreuses tentatives pour restaurer le dynamisme de la peinture, les dommages environnementaux ont porté une grande partie de la peinture loin. Cette peinture a depuis été copiée, réinterprétée et refaite à plusieurs reprises par divers artistes tels que Salvador Dali, Andy Warhol, Marisol Escobar et d'autres. La dernière tentative de restauration étant faite en 1999. Même aujourd'hui la peinture est restée dans l'église ou elle a été peinte. C'est une église de la Santa Maria delle Grazie, à Milan.
7. Les Nymphéas par Claude Monet
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Une série de 250 pièces appelées « Nénuphars » a été peinte par le peintre français Claude Monet entre 1840 et 1926. Deux cent cinquante peintures représentent un étang de nénuphars de son jardin. L'ensemble est l'une des plus grandes réalisations du début du XXe siècle. La peinture mit l'un à côté de l'autre, les tableaux donnent l'illusion d'un paysage infini parsemé de nénuphars, d'arbres et de reflets de nuages. En 1883, Monet a été frappé par la beauté d’un village français quand il a passé ce village à travers sur un train. Il a loué une maison dans ce village qui s’appelait Giverny. Un peu plus tard dès qu'il en a eu les moyens il a acheté cette maison. Monet réorganise les paysages dans son jardin pour avoir de l'inspiration pendant son travail sur les paysages. Il disait qu'il était bon seulement pour peindre les paysages et pour faire son jardin. Il a créé un endroit vraiment idéal pour y passer le reste de sa vie et faire des œuvres en huile en réflexion tranquille. La collection des 250 peintures est répartie parmi les galeries les plus renommées du monde.
8. La Nuit étoilée par Van Gogh
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Cette peinture de l'artiste néerlandais Van Gogh a été peinte en 1889. Le Musée d'art moderne de New York la possède depuis 1941. Cette œuvre est considérée comme l'une des meilleures oeuvres de Van Gogh et l'une des œuvres les plus importantes de la peinture occidentale. La période de mai 1889 à mai 1890, Van Gogh a passé à l'hôpital psychiatrique de Saint-Paul-de-Mausole à Saint-Rémy-de-Provence. La peinture, écrite en une journée dans un studio d'hôpital, représente une vue de la fenêtre de la chambre de Van Gogh. La vue comprend également le ciel avant l'aube et le village fictif.
9. Guernica par Pablo Picasso
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« Guernica » est une peinture de Pablo Picasso, écrite en mai 1937 pour le gouvernement de la République espagnole pour le pavillon espagnol à l'exposition universelle de Paris. Cette œuvre est un amalgame de styles pastoraux et épiques. L'intensification du drame est faite par l'abandon de couleur reproduisant un effet de reportage, d'un enregistrement photographique. Les couleurs de « Guernica » sont bleu, noir et blanc. C'est une toile murale peinte à l'huile de haute de 3,5 mètres et large de 7,8 mètres. On peut voir cette peinture dans le musée Reina Sofia à Madrid. « Guernica » montre les tragédies de la guerre et les souffrances qu'elle inflige à des individus, en particulier des civils innocents. Ce travail a acquis un statut monumental, devenant un rappel perpétuel des tragédies de la guerre, un symbole antiguerre, et une incarnation de la paix.
10. Les Époux Arnolfini par Jan Van Eyck
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La peinture de Jan Van Eyck « les Époux Arnolfini » est le premier célèbre portrait de deux personnes dans la peinture européenne. Cette œuvre est une des plus importantes de la Renaissance hollandaise. On la considère comme l'une des premières peintures exécutées à l'huile sur panneau de bois de chêne. La peinture est conservée à la Nationale Galerie de Londres. Ce portrait, représentant un marchand et une femme qui pourrait être sa conjointe. Le portrait du couple Arnolfini est l'un des meilleurs exemples de portrait intime dans l'œuvre de l'artiste. Les personnages sont dans un environnement familier pour eux. Chaque détail de l'intérieur de leur maison est représenté avec soin.
Cette peinture est un peu loin du reste des œuvres de Van Eyck. L'artiste nous donne la possibilité de voir ses contemporains dans un cadre ordinaire, dans toute leur humanité.
L'artiste a changé peut-être délibérément les proportions des personnages pour mettre en évidence leurs têtes et leurs mains et pour les rapprocher de l'idéal de la beauté de cette époque.
11. Le Baiser par Gustav Klimt
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« Le baiser » est une peinture d'artiste autrichien Gustav Klimt, réalisé dans les années 1907-1908. Elle se trouve en Österreichische Galerie Belvédère, palais du Belvédère, Vienne (Autriche). L'artiste a beaucoup travaillé avec la couleur d'or et avec des feuilles d'or à cette époque. Cette époque est appelée "l'or" dans la vie créative de Klimt. La popularité des peintures de cette époque est liée avec l'application de l'artiste de l'or comme une des couleurs. Depuis des temps immémoriaux, l'or provoque des associations magiques, religieuses tout aussi avec un sens de la valeur, de la signification. L'éblouissante lueur émanant de l'or se lie étroitement avec le contenu de l'image. L'aura de la toile et sa beauté expriment la valeur de l'or et représentent le couple d'amoureux comme un symbole de bonheur érotique insouciant.
Certains chercheurs supposent que Klimt lui-même et sa bien-aimée Émilia Fleg sont des modèles.
12. La Persistance de la mémoire par Dali
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Il était un soir. Dali devait aller avec Gala et leurs amis au cinéma, mais au dernier moment, il a décidé de rester à la maison parce qu'il était fatigué et avait une migraine. Gala est allée au cinéma avec des amis, et Dali a décidé de se coucher un peu plus tôt. Sur la table, il y avait un délicieux camembert mou qui traînait dans son assiette après le souper. L'artiste est allé à l'atelier pour jeter un œil à son travail. Cette peinture représentait le paysage des environs de Port-Lligata, ou ils ont acheté une maison de pêcheur. Dali a pensé qu'il fallait ajouter une idée à ce paysage. Il est allé à éteindre la lumière, et quand il est sorti, il a littéralement vu la décision : deux paires d'heures douces, l'un d'eux pend plaintivement sur les branches d'olives. Il a préparé la palette et a repris le travail. Dans deux heures, quand Gala est rentrée du cinéma, la peinture a été terminée. Puis Dali a commencé à créer des chefs-d'œuvre l'un après l'autre en remplissant les paysages avec cette image d'une horloge douce.
13. American Gothic par Grant Wood
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« American Gothic » est un tableau de l'artiste américain Grant Wood, créé en 1930. Une des images les plus reconnaissables dans l'art américain du XXe siècle. La peinture représente un fermier avec sa fille sur le fond d'une maison construite dans le style de la menuiserie gothique. L'agriculteur tient la fourche dans sa main droite avec un poing serré comme ils détiennent l'arme. Selon un certain nombre de critiques, Wood a réussi à transmettre le manque d'attrait du père et sa fille avec les lèvres serrées. La fille est habillée d'un tablier déjà sorti de la mode. La sœur de l'artiste Nan qui a servi de modèle 15. pour cette oeuvre a trouvé une bordure de tablier dans les vieux vêtements de sa mère. Byron McKeeby, un dentiste de la ville de Cedar-Rapidz (de l'Iowa) est devenu le modèle pour le fermier. La composition du tableau ressemble à des photos américaines de la fin du XIXe siècle. La retenue puritaine des personnages est en grande partie conforme au réalisme européen des années 1920, que Wood a rencontré lors d'un voyage à Munich.
14. Terrasse du café le soir par Van Gogh
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« Terrasse du café le soir » est une œuvre du peintre néerlandais Van Gogh. Connue aussi sous le nom de « Terrasse de café sur la place du Forum », cette peinture a été écrite par Van Gogh à Arles en septembre 1888. Maintenant, elle est située au Musée Kröller-Müller, Otterlo (Pays-Bas). ?Depuis un certain temps, Van Gogh avait l'intention de faire une peinture nocturne avec une abondance de couleurs, cela veut dire que dans une autre manière que la manière conventionnelle avec les couleurs grises et noires. L'aspect le plus accrocheur est le contraste marqué entre les couleurs chaudes: jaune, vert et orange sous la marquise du café, et le bleu profond du ciel étoilé, qui est renforcé par le bleu foncé des maisons à l'arrière-plan.
15. La Naissance de Vénus par Sandro Botticelli
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« La grande toile la Naissance » de Vénus a été écrite par le grand maître Sandro Botticelli en 1485. Ce chef-d'œuvre de la Renaissance est exposé à la galerie des Offices, Florence. La peinture représente le mythe de la naissance de Vénus. L'auteur montre au monde une excellente Vénus, nouvellement née de l'écume de la mer très tôt le matin, quand les ténèbres de la nuit ne se sont pas encore reculées. Zéphyr le Dieu du vent occidental s'adapte à la rive le coquillage ou la déesse de la beauté nage le long des vagues. L'espace ouvert de la mer et du ciel est représenté sur la peinture. On rencontre Vénus avec triomphe sur la terre avec des fleurs, le gardien de l'Olympe d'Ora lui donne comme cadeau un manteau précieux, brodé de belles couleurs, qui cachera sa nudité. L'artiste a peint avec amour son héroïne principale. C'est ce que disent ses caractéristiques parfaitement belles, irréprochables et harmonieuses. Sur les épaules du nouveau-né Vénus, baissent longs cheveux dorés, gonflés par le vent, le visage de la taupe et triste.
16. Bal du moulin de la Galette par Renoir
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Bal du moulin de la Galette c'est un tableau, peint par le peintre français Pierre-Auguste Renoir en 1876. La peinture est conservée au musée d'Orsay, à Paris. Cette peinture est peut-être le travail le plus célèbre de Renoir. Elle représente une atmosphère vivante et énergique dans le jardin de danse à Paris au moulin de la Galette. Renoir a relevé le défi de capturer le moment à travers ses coups de pinceau et l'utilisation de la couleur.
En 1876, Renoir louait un studio avec jardin non loin du Moulin de la Galette, un restaurant avec une salle de danse en haut de Montmartre. L'action principale se passait dans la rue où l'on a été placés des tables dans le cercle. Renoir a demandé de poser ses amis pour la peinture. On peut trouver certains d'eux parmi les gens assis aux tables. Lors du travail avec cette peinture, l'artiste a fait face à une tâche difficile : c'est de dépeindre le reflet de l'éblouissement du soleil, qui perçant à travers le feuillage d'acacia sur les vêtements des dansants et des personnes assises. Il a débrouillé avec ce défi parfaitement.
17. Le Jardin des délices par Jérôme Bosch
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« Le jardin des délices » c'est le plus célèbre triptyque de Jérôme Bosch. Le titre original de ce travail de Bosch est inconnu. Les chercheurs on l'a appelé « Le jardin des plaisirs terrestres » parce que la partie centrale Luxuria est consacrée au péché de la luxure. La plupart des interprétations de la peinture ont été développées dans le XXe siècle et aucune des interprétations actuelles de la peinture n’est pas les seules crédibles. C'est une expression d'un artiste médiéval tardif qui croyait que le Dieu, le diable, le paradis et l'enfer étaient réels. Ce tableau représente les trois scènes : le panneau gauche montre le Christ présentant Ève à Adam, le panneau droit montre les déprédations de l'enfer. Le panneau central représente probablement le ciel. On considère parfois ce triptyque fantastique comme un lointain précurseur du Surréalisme.
18. La Madone Sixtine par Raphaël
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« La Madone Sixtine » tient son enfant en flottant sur un tapis tourbillonnant de nuages. À deux côtés, nous voyons Saint-Sixte et Sainte-Barbara. Au pied du tableau se trouvent deux anges qui regardent en contemplation. Il y a eu beaucoup de spéculations sur la tristesse, ou même des expressions pétrifiées sur le visage de la vierge et de l'Enfant Jésus. Pourquoi sont-ils si tristes et terrifiés ? La réponse devient claire lorsque nous considérons l'emplacement prévu à l'origine de l'œuvre. Le lieu d'origine de la peinture était avant le grand crucifix. La Madone et l'Enfant Jésus regardent la crucifixion. Saint-Sixte pointe aussi à la scène de la crucifixion et non au spectateur. Les formes forment un triangle. Le rideau ouvert sur les côtés souligne de plus la pensée géométrique de la composition. C'est l'une des premières œuvres dans lesquelles le spectateur se trouve inscrit dans la composition. Il semble que Madone descend du ciel à la rencontre du public et les regarde dans les yeux. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, en janvier 1945, « La Madone Sixtine » a été cachée dans le wagon comme d'autres tableaux de la galerie de Dresde dans une carrière à 30 km au sud de la ville. En mai 1945, les peintures ont été découvertes par un groupe de soldats soviétiques. Après la guerre, la peinture était stockée dans les réserves du musée de Pouchkine à Moscou jusqu'à ce qu'elle soit retournée à Dresde en 1955.
19. La Danse par Matisse
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En 1909, Matisse reçoit une importante commande. Un industriel russe extrêmement riche du nom de Sergueï Chtchoukine demande à Matisse de créer trois grandes toiles pour décorer sa maison à Moscou. Il existe deux versions de la peinture d'Henri Matisse: la première est dans le Musée d'art moderne à New York, la deuxième et la plus célèbre dans l'Ermitage à Saint-Pétersbourg.
20. Mont Sainte-Victoire par Cézanne
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La peinture « Mont Sainte-Victoire » a été créée en 1904 par Cézanne. Cette œuvre étincelant d'aperçus, d'hésitations et de réflexions reflète la vision brisée de Cézanne. Cézanne s'est concentré sur le paysage autour de sa ville natale, il a fait de ce paysage une étude de la forme et de la couleur.
Alors que les impressionnistes dessinaient avec des touches épaisses et courtes, avec des contours noirs, Cézanne utilisait des couleurs fortes, mettant en évidence des formes telles que le tronc de l'arbre et les champs en bleu foncé.
Son intérêt pour la forme et la ligne est souligné par la forme des branches et la façon dont elles reprennent parfaitement le contour de la montagne derrière.
La simplification du paysage par Cézanne pourrait être interprétée comme un retour à une époque de formes équilibrées et harmonieuses plutôt qu'à une ornementation complexe, ainsi qu'un saut vers le modernisme. Les coups de pinceau parallèles structurés qui fragmentent la surface de la composition, ainsi que les couleurs audacieuses, séduisent les jeunes artistes et ouvrent la voie à l'abstraction.
21. Le Cri par Edvard Munch
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« Le Cri » est le plus connu et le plus reproduit de toutes les œuvres d'Edvard Munch. Il attire l'attention du spectateur par des couleurs expressives, les lignes fluides, les émotions d'individu. « Le Cri » est une série de peintures de l'artiste expressionniste norvégien Edward Munch. Cette série a été créée entre 1893 et 1910 ans. Elles représentent une silhouette humaine criant dans le désespoir sur le fond du ciel rouge et le fond de paysage extrêmement généralisé. En 1895, Munch a créé une lithographie sur le même sujet. « Le Cri » est comme un emblème de l'expressionnisme. Elle est comme une sorte de prélude à l'art du XXe siècle, en anticipant les principaux thèmes du modernisme de la solitude, du désespoir et de l'aliénation.
22. Le Déjeuner sur l'herbe par Eduard Manet
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« Le dépeindre sur l'herbe » est la célèbre peinture de l'artiste français Eduard Manet, écrit en 1863. Actuellement, elle est située dans la 19e salle du musée d'Orsay à Paris. Ce tableau a suscité de nombreuses controverses lors de sa première exposition et suscite encore aujourd'hui beaucoup de curiosité et d'incertitude. La peinture approuvée officiellement par l'Académie française a été rejetée par le salon ou elle devait être présentée. Le rejet a été provoqué par la représentation des femmes nues, accompagnées par des hommes habillés comme "dandy." L'incongruité suggère que les femmes ne sont pas des déesses, mais des modèles, ou peut-être des prostituées. Cette peinture à l'huile entre dans la catégorie des œuvres impressionnistes. Cependant, le message de la peintre n'est pas clair. Certains chercheurs disent que l'idée de cette œuvre c'est de montrer l'état déplorable des femmes dans la société. Bien que cette explication semble invérifiable, il est encore plus étonnant qu'il n'y ait aucune signification métaphorique pour la nudité de ces femmes.
